Virtuoso, bluesman, songwriter

Il modo più interessante per celebrare Eric Clapton non è fermarsi a un singolo momento della sua carriera, ma seguirlo lungo le trasformazioni che ha attraversato. Pochi chitarristi, nella storia del rock, sono riusciti a incarnare con tale coerenza tutte le declinazioni del ruolo: virtuoso incendiario, interprete profondo, songwriter raffinato, musicista capace di leggere e orientare i cambiamenti del gusto. Per capire da dove parte tutto, bisogna tornare alla metà degli anni Sessanta. È un periodo febbrile, in cui la chitarra elettrica cerca una nuova identità. Attorno a Clapton orbitano nomi destinati a diventare giganti – Hendrix, Beck, Page, Townshend – ma nel 1966 è lui a compiere il salto decisivo. Con i Bluesbreakers di John Mayall cambia il suono dello strumento: abbandona le timbriche sottili della prima stagione beat e introduce volume, saturazione, sustain, controllo del feedback. La chitarra diventa una voce espressiva autonoma. Quella spinta trova la sua forma più esplosiva nei Cream, ma la traiettoria di Clapton non si ferma lì. Dopo gli anni bui, la rinascita di 461 Ocean Boulevard (1974) e la maturità di Slowhand(1977) raccontano un musicista che ridimensiona il virtuosismo per lavorare su suono, misura e scrittura. La chitarra smette di essere dimostrazione e diventa funzione. Questa attitudine riemerge anche negli anni Ottanta con Behind The Sun (1985): nel contesto degli anni 80 dominato da sintetizzatori e produzioni levigate, Clapton accoglie quel linguaggio senza perdere identità. E lo stesso accade nei Novanta, quando con Unplugged contribuisce a riportare l’acustico al centro del rock. Dentro tutte queste trasformazioni resta costante il blues: una matrice che Clapton traduce in chiave personale, attraversando epoche e collaborazioni – dai Beatles a Phil Collins, passando per Sting, Ozzy Osbourne, Roger Waters e Pino Daniele.

Cinque dischi

Abbiamo quindi selezionato cinque dischi solisti che permettono di leggere questa evoluzione dall’interno, seguendo una traiettoria che cambia forma senza perdere coerenza.

Eric Clapton (1970) 

Con questo debutto solista Eric Clapton compie un passaggio decisivo: smette i panni del virtuoso all’interno di una super band e si assume pienamente il ruolo di autore e leader. Non è una rinuncia alla sua irruenza chitarristica — tutt’altro: il disco è feroce, attraversato da una Gibson Les Paul ancora indiavolata, con fraseggi tesi, vibrato largo, un controllo del sustain che resta tra i più espressivi del periodo. La differenza sta nel contesto. Da un lato c’è il blues britannico, nella sua componente più aggressiva e viscerale, quasi “esplosiva” sul piano strumentale; dall’altro il rock americano, che introduce un’attenzione diversa al songwriting, più melodico, più diretto, con un occhio anche alla forma canzone e a una comunicazione più immediata. In mezzo, Clapton costruisce un equilibrio sorprendente: il groove diventa centrale, il blues si tinge di gospel e soprattutto di funk, e brani come “After Midnight” funzionano proprio per questo incedere ritmico asciutto e trascinante. È un disco da guitar hero, pieno di prove tecniche, espressive, riconoscibili, ma che non si esaurisce lì: ogni scelta chitarristica è già dentro una visione più ampia, quella di un autore che mette il suono al servizio della musica.

Eric Clapton: 5 dischi che raccontano una chitarra che ha attraversato il rock

Leggi anche