Trainspotting, dal "no future" alla piazza: la rabbia delle promesse tradite

Il ritorno in sala del film di Danny Boyle, il futuro negato e la distanza tra la vita promessa e quella possibile, fino agli scontri di Milano.

Tratto dal romanzo di Irvine Welsh del 1993, diretto da Danny Boyle e uscito nel 1996, Trainspotting è tornato nei cinema italiani fino al 21 ottobre in versione restaurata in 4K per il suo trentesimo anniversario.

La storia di Mark Renton e dei suoi compagni di Edimburgo, tra eroina, amicizia e tentativi di fuga, torna così sul grande schermo mentre nelle strade europee esplode un'altra rabbia giovanile. In mezzo sono passati trent'anni. La distanza tra la vita promessa e quella possibile è ancora lì.

Rivedere Trainspotting oggi significa anche attraversare le generazioni che hanno riconosciuto, e continuano a riconoscere, quella distanza tra la vita promessa e quella possibile.

Dal "no future" del punk alla Generazione X raccontata dal film, dai millennial cresciuti con l'idea che studiare e lavorare avrebbe garantito un posto fino alla Gen Z e alle piazze europee, soprattutto a quelle di Milano, il filo è il rapporto tra aspettative, esclusione e rabbia.

Cambiano l'età di chi la esprime, le dipendenze, la musica e gli strumenti con cui il desiderio viene alimentato. Resta una società che chiede di riuscire e rende incerto il percorso per farlo, mentre il successo degli altri diventa visibile senza interruzioni.

Prima di Trainspotting, il 'no future' del punk

Il "no future" del punk britannico aveva già detto qualcosa di essenziale sul rapporto tra i giovani e la società che chiedeva loro di diventare adulti. Arrivava da un paese attraversato da crisi economica, disoccupazione e conflitti sociali, dove una parte dei ragazzi faticava a riconoscersi nel futuro preparato per loro.

Il lavoro, la famiglia e la rispettabilità costituivano un percorso del quale si poteva contestare il senso ancora prima di riuscire a entrarci.

Il nichilismo era una risposta a quella frattura: se le promesse non valevano per tutti, anche le regole che le accompagnavano perdevano autorevolezza. La provocazione diventava un modo per esistere, la musica un luogo nel quale trovare altri esclusi, l'estetica una dichiarazione di appartenenza. Nella stessa stagione, però, la ribellione diventava già un prodotto.

I Sex Pistols passavano anche dai vestiti venduti da Malcolm McLaren e Vivienne Westwood a King's Road.

Il mercato imparava a vendere il rifiuto delle proprie regole. Era una contraddizione destinata a sopravvivere molto più a lungo delle spille da balia e dei dischi che l'avevano resa riconoscibile.

Trainspotting e il rifiuto della vita prevista dagli altri

Trainspotting raccoglie quella frattura in una Scozia segnata dalle trasformazioni economiche degli anni di Margaret Thatcher, dalla disoccupazione e dalla diffusione dell'eroina e dell'HIV. Il mondo del romanzo affonda negli anni Ottanta, il film entra nell'immaginario della Generazione X nel pieno degli anni Novanta e diventa poi un riferimento anche per i millennial.

Renton guarda la vita adulta come una successione di obblighi e acquisti: trovare un lavoro, fare carriera, costruire una famiglia, comprare una casa e riempirla di oggetti. La droga permette di sospendere la domanda sul futuro e restringere tutto a un bisogno immediato, una sorta di epochè tossica.

Dentro quella sospensione ci sono il piacere, il dolore, la fuga e la dipendenza, insieme alla possibilità di raccontarsi che sottrarsi equivalga ancora a scegliere.

La rabbia prende forme diverse: Spud cerca di restare a galla, Sick Boy trasforma i rapporti in opportunità, Begbie impone la propria presenza attraverso la violenza. Il gruppo tiene insieme il bisogno di appartenere a qualcosa e l'incapacità di costruire una via d'uscita comune. Il fallimento della promessa sociale si riflette così nei corpi e nelle relazioni.

Blur, Pulp, Underworld e la frenesia di Iggy Pop

Quella disillusione arriva al cinema accompagnata da una colonna sonora che rappresenta uno degli apici della cultura musicale britannica dell'epoca, più alcuni classici d'oltreoceano perfettamente incasellati.

I Blur di "Sing", i Pulp di "Mile End", gli Elastica, i Primal Scream, i Leftfield e gli Underworld convivono con i New Order, Brian Eno, Lou Reed e Iggy Pop. È una selezione che attraversa generazioni e scene, dal rock all'elettronica, mentre il Britpop porta la musica inglese al centro dell'attenzione internazionale.

La corsa iniziale su "Lust for Life" dà ai protagonisti una vitalità che rende ancora più evidente lo spreco al quale stanno andando incontro. Iggy ha la frenesia di chi deve consumare ogni secondo prima che gli venga portato via; "Perfect Day" accompagna il precipitare di Renton nell'overdose; "Born Slippy" spinge il finale verso una liberazione della quale restano incerti il prezzo e la destinazione. Il film può raccontare una generazione senza prospettive e farla sembrare contemporaneamente piena di possibilità. La musica apre lo spazio che la vita dei personaggi continua a chiudere, rende collettiva un'esperienza che rischierebbe altrimenti di restare soltanto solitudine.

Il punk aveva fornito una formula al futuro negato; quella colonna sonora restituiva il suono di una generazione che provava ancora a stare insieme dentro la propria inquietudine. Il concerto, il club, una canzone riconosciuta da tutti offrivano luoghi nei quali una frustrazione individuale poteva trovare un linguaggio comune.

La comunità poteva durare una notte, ma aveva corpi, spazi e una memoria condivisa. Anche Trainspotting diventò parte di quella comunità: i suoi manifesti, i volti degli attori, le battute e le canzoni entrarono nell'identità di chi lo guardava. L'emarginazione rappresentata sullo schermo diventava un immaginario di successo, desiderabile anche per chi non aveva nulla a che fare con la realtà di Leith.

Dentro questo passaggio c'era già un altro cortocircuito: una storia sul rifiuto della normalità veniva trasformata in uno dei prodotti culturali più riconoscibili del decennio. La capacità del mercato di incorporare la ribellione procedeva insieme alla capacità della musica e del cinema di dare voce a chi si sentiva fuori. Le due cose crescevano nello stesso momento.

Il finale: il capitalismo vince anche quando sai come funziona

Nel finale Renton prende il denaro dell'affare di droga e abbandona gli altri, lasciando a Spud la sua parte. Poi annuncia che diventerà come chi lo sta guardando: lavoro, famiglia, casa, acquisti, sicurezza e un'esistenza organizzata fino alla vecchiaia.

Il catalogo respinto all'inizio torna come una promessa alla quale aderire. La sua fuga passa attraverso il denaro e una decisione individuale, mentre il gruppo resta indietro. Il capitalismo gli offre un approdo proprio attraverso le cose delle quali aveva mostrato il vuoto.

Dentro quel sorriso convivono il sollievo di uscire da una vita distruttiva e l'accettazione di un'altra che aveva già imparato a disprezzare. È anche questo a rendere il finale così vicino alla crescita di molti spettatori: arriva un momento nel quale si desidera la stabilità che da ragazzi sembrava una resa.

Trent'anni dopo, però, la situazione si complica. Per chi ha ereditato quel film, e per chi è arrivato ancora dopo, il lavoro sicuro, la casa e l'autonomia possono diventare traguardi sempre più difficili.

La vita borghese che Renton voleva rifiutare finisce per sembrare un privilegio al quale riuscire ad accedere.

Il lavoro che dava un posto, la crisi che raggiunge anche chi lavora

Tra quella generazione e le successive si è indebolito anche il rapporto tra lavoro e appartenenza.

Per una parte importante del mondo operaio, il salario si inseriva in una rete: il sindacato, il quartiere, il circolo, la cooperativa, i colleghi con i quali condividere un conflitto e una prospettiva. Alcune grandi aziende avevano costruito servizi per i dipendenti e le famiglie, dagli asili all'assistenza, dalle attività culturali alle abitazioni. Il caso Olivetti resta uno degli esempi più chiari di quanto il rapporto con un'impresa potesse estendersi oltre le ore trascorse in fabbrica.

Dentro quelle strutture esistevano disuguaglianze e conflitti, ma esistevano anche interlocutori riconoscibili e strumenti collettivi per affrontarli. Nel lavoro frammentato tra contratti brevi, appalti, piattaforme e collaborazioni individuali, ricostruire quella continuità diventa più difficile.

Anche il disagio si frammenta: il problema del reddito viene vissuto come un'insufficienza personale, quello della stabilità come un difetto di adattamento.

Il lavoratore deve continuare a rendersi competitivo mentre il legame tra il suo impegno e la possibilità di progettare una vita si fa più incerto.

La crisi raggiunge così anche chi ha seguito le istruzioni. Ha studiato, trovato un impiego, magari lavora insieme al proprio compagno o alla propria compagna, e continua a fare conti che avrebbero dovuto appartenere a un'altra condizione sociale.

Portare in casa due stipendi, quando si è fortunati anche considerati accettabili, non garantisce automaticamente tranquillità: casa, figli, servizi, trasporti e imprevisti possono assorbire gran parte del margine. Il punto è la distanza tra un reddito che sulla carta appare solido e la sicurezza che permette davvero di acquistare.

La fragilità economica supera il confine della povertà e si allarga a chi si considerava protetto dal proprio lavoro. Nel primo trimestre del 2026 i salari reali italiani erano ancora inferiori del 6,1% rispetto allo stesso periodo del 2021. Anche due stipendi possono quindi convivere con la sensazione di non avanzare. Il disagio si estende a condizioni diverse e trova un elemento comune nella difficoltà di immaginare un miglioramento: restare dove si è richiede già uno sforzo continuo, mentre mettere qualcosa da parte diventa un progetto rimandato.

La classe media perde la sua promessa, resta un "noi" e un "loro"

La classe media aveva rappresentato anche una possibilità: salire di un gradino, comprare una casa, lasciare ai figli una condizione migliore.

È questa promessa a svuotarsi quando il lavoro consente soprattutto di difendere il presente. Una parte del ceto medio scivola verso la vulnerabilità, un'altra continua a considerarsi al sicuro finché un affitto, una separazione, una malattia o la perdita di un reddito rendono evidente quanto fosse stretto il margine. Nello stesso paesaggio, la ricchezza più grande appare capace di riprodursi a una velocità che nessuno stipendio può inseguire.

Il conflitto viene allora percepito sempre meno come una distanza tra gradini vicini e sempre più come una separazione tra due mondi: chi può assorbire gli imprevisti e chi deve temerli, chi possiede e chi paga per accedere, chi può scegliere e chi deve adattarsi. Un "noi" e un "loro" che attraversa identità professionali e appartenenze precedenti. Il racconto pubblico può dividere quel "noi" in giovani contro anziani, garantiti contro precari, residenti contro nuovi arrivati. La frustrazione rimane, mentre il bersaglio cambia e la domanda sulla distribuzione della sicurezza finisce sullo sfondo.

Tutti vedono tutto, anche la vita che non potranno permettersi

Nel frattempo è cambiata la scala del confronto. Il desiderio di consumo poteva nascere dalle scarpe di un compagno, dalla macchina del vicino, dalla pubblicità o dalla televisione. Oggi quel mondo ha la continuità di un flusso che accompagna ogni pausa della giornata. Sullo stesso smartphone passano case, viaggi, ristoranti, corpi, acquisti e persone che sembrano aver trovato la scorciatoia giusta.

Il termine di paragone si estende ben oltre chi si incontra a scuola o nel quartiere e arriva a una selezione mondiale di vite vincenti. Dentro quelle immagini convivono ricchezza reale, sponsorizzazioni, messinscena e momenti scelti per sembrare un'esistenza intera. L'effetto può essere lo stesso: la propria vita sembra sempre in ritardo.

Il successo degli altri diventa visibile ogni giorno, mentre spariscono le condizioni che lo rendono possibile, i patrimoni di partenza, i debiti e le sconfitte escluse dall'inquadratura. La società del consumo raggiunge così una prossimità continua: mostra ciò che dovrebbe rendere felici e rinnova di minuto in minuto la sensazione di esserne rimasti fuori.

Quella vicinanza delle immagini convive con una distanza materiale che può sembrare incolmabile. Si vede tutto, si può commentare tutto, si può partecipare alla conversazione, e poi ci si ritrova davanti allo stesso limite. Il mercato raggiunge i ragazzi prima che abbiano gli strumenti per riconoscere come funziona e prima che possano produrre un reddito. La richiesta di avere un'identità passa anche da ciò che si indossa, si possiede e si mostra.

Il consumo promette accesso al gruppo; la visibilità promette di contare. Quando entrambe le promesse vengono interiorizzate molto presto, la frustrazione può arrivare prima ancora dell'esperienza del lavoro e del suo fallimento. Un ragazzo può sentirsi già sconfitto da una competizione della quale non ha ancora raggiunto l'età di partenza. È in questa anticipazione che il disagio cambia forma: alla distanza tra ciò che si ha e ciò che si desidera si aggiunge l'esposizione continua a un modello che presenta quella distanza come una colpa. Qualcuno ce l'ha fatta, quindi anche tu avresti dovuto trovare il modo.

L'opinione arriva prima degli strumenti per costruirla

L'accesso alla comunicazione anticipa anche l'incontro con la politica, la guerra, il conflitto sociale e le sue spiegazioni.

Si può arrivare a una convinzione prima di aver letto un libro sull'argomento, prima di conoscere una cronologia, prima di saper distinguere una fonte da chi la ripete. Un reel offre un colpevole, una sequenza di immagini e una conclusione dentro pochi secondi. Il successivo ne offre un'altra, con la stessa sicurezza. Produrre e riprodurre quei contenuti è accessibile a chiunque, mentre verificarli richiede tempo e competenze che il formato non premia.

Nel 2024 un'indagine UNESCO su 500 creatori di contenuti in 45 paesi rilevava che il 62% non effettuava verifiche rigorose e sistematiche prima di condividere informazioni. In questo ambiente, la familiarità con un volto o il numero delle condivisioni possono prendere il posto dell'attendibilità. Cresce l'accesso alle risposte più rapidamente della capacità di valutarle. La rabbia trova così spiegazioni immediate, avversari riconoscibili e conferme continue, anche quando le condizioni che l'hanno prodotta rimangono poco comprese.

L'hip hop racconta l'esclusione e vende il riscatto

Su questo presente si muove una colonna sonora diversa da quella di Trainspotting. L'hip hop, e nelle sue forme più vicine a molti giovanissimi la trap e la drill, ha dato parole a periferie, esclusione, appartenenza, denaro e desiderio di uscire dal posto nel quale si è nati. È uno dei linguaggi centrali di queste disillusioni: permette di riconoscere una voce, un quartiere, un'origine e un'esperienza che altrove vengono raccontati soprattutto dall'esterno.

La rivendicazione di esistere può passare attraverso la denuncia, il successo, la provocazione o l'ostentazione. Nel rap convivono da tempo la critica al potere e l'ambizione di conquistarlo, la solidarietà e l'affermazione individuale, il racconto della strada e l'ingresso nell'industria globale. Anche questa pluralità contiene una tensione sociale precisa.

Per chi ascolta, l'artista partito dallo stesso ambiente può rappresentare la prova che una via d'uscita esiste. La sua eccezionalità viene però proposta a un pubblico enorme, che continua a vivere nelle condizioni dalle quali lui è riuscito ad allontanarsi.

Il cortocircuito si produce quando il riscatto finisce per coincidere con i segni del sistema che ha creato l'esclusione. Il marchio di lusso, l'auto, l'orologio e la disponibilità di denaro diventano certificati di valore personale. La distanza dalla propria origine viene misurata attraverso ciò che si può finalmente comprare. Una parte dell'industria musicale vende così il racconto della marginalità insieme alla pubblicità della sua ricompensa: arrivare abbastanza in alto da poter consumare senza limiti.

La colonna sonora del disagio può essere sincera e diventare contemporaneamente uno degli strumenti che ne alimentano le aspettative. Il percorso conduce di nuovo a Renton, al suo denaro e alla promessa di entrare nella vita degli altri. Sullo sfondo resta la stessa soluzione individuale: riuscire a passare dall'altra parte.

Il pubblico riconosce la rabbia del punto di partenza e desidera gli oggetti del punto d'arrivo. I social tengono queste due immagini nello stesso spazio, facendo circolare senza interruzioni sia la frustrazione sia il modello economico che dovrebbe cancellarla.

Il rock torna a prendere posizione: dall'Irlanda al post punk

Dentro questo scenario la musica sta recuperando anche una funzione pubblica che una parte del rock aveva lasciato in secondo piano. Dopo una fase dominata dal racconto individuale, dall'identità dell'artista e dalla gestione della propria immagine, tornano al centro la classe sociale, l'abitare, il razzismo, la guerra e il diritto di prendere posizione.

La scena irlandese è uno dei luoghi nei quali questo passaggio appare più evidente: i Fontaines D.C. nel rock, i Kneecap nell'hip hop che abita gli stessi ambienti della comunità punk, i Lankum e i Mary Wallopers nel folk riportano esperienze e linguaggi diversi dentro una sensibilità politica condivisa.

La storia dell'isola, la lingua, l'emigrazione e il rapporto con il potere entrano nel modo in cui il presente viene letto e raccontato. Intorno a loro, dagli IDLES alle Lambrini Girls, una parte del post punk e del punk britannico continua a portare il conflitto sociale dentro le canzoni e sopra i palchi. La frustrazione trova così anche una direzione collettiva: riconoscere le condizioni che accomunano persone diverse e trasformare l'attenzione ricevuta in una possibilità di intervenire.

La solidarietà con la popolazione palestinese ha reso visibile questa disponibilità a esporsi attraverso raccolte fondi, prese di posizione e campagne di boicottaggio culturale. Fontaines D.C., Kneecap, Lankum, Mary Wallopers, IDLES e Lambrini Girls figurano tra gli aderenti a No Music For Genocide, che chiede di bloccare la distribuzione della propria musica in Israele. No Music For Genocide La scelta porta il conflitto anche nei meccanismi economici attraverso i quali le canzoni circolano. Artisti di generazioni precedenti, dai Massive Attack a Brian Eno, offrono una continuità a questa mobilitazione, mentre nuovi pubblici incontrano la questione sociale anche attraverso i musicisti che seguono. La stessa comunicazione che produce confronto, consumo e frustrazione permette quindi di diffondere informazioni, organizzare iniziative e riconoscersi in una causa. Il concerto torna a essere un luogo nel quale l'appartenenza musicale può diventare una posizione sul mondo. Per una parte dei ragazzi cresciuti dentro l'incertezza, il disagio trova parole che lo collegano a qualcosa di più ampio della propria sconfitta personale. Nel 1995, mentre l'Europa guardava la guerra in Bosnia, la compilation HELP riunì una parte centrale della musica britannica per sostenere War Child: era la stessa stagione culturale dalla quale sarebbe arrivata la colonna sonora di Trainspotting. Nel marzo 2026 HELP(2) ha rimesso insieme generazioni diverse, da Pulp e Damon Albarn ad Arctic Monkeys, Fontaines D.C., English Teacher e Wet Leg, a sostegno dei bambini colpiti dalle guerre.

Dopo il Covid, crescere dentro un'emergenza continua

Il Covid ha segnato una frattura dentro questo accumulo di tensioni. Per i più giovani ha interrotto scuola, relazioni e passaggi di autonomia; per molte famiglie ha reso visibile quanto rapidamente potessero saltare lavoro, reddito e organizzazione quotidiana. Il ritorno alla normalità è stato poi attraversato dall'inflazione, dall'aumento dei costi dell'energia e dell'abitare, dalle guerre e da nuove incertezze. L'emergenza è diventata una condizione ripetuta, dentro la quale ogni progetto deve tenere conto di qualcosa che può smentirlo.

La pandemia si è innestata su precarietà e disuguaglianze già esistenti e ha lasciato a chi cresce un'esperienza concreta della sospensione: tutto può fermarsi, anche ciò che sembrava garantito. Per i millennial questa instabilità si è aggiunta alla crisi finanziaria e a percorsi professionali spesso discontinui. Per la Gen Z è entrata direttamente negli anni della formazione. Intanto è rimasta la richiesta di essere preparati, intraprendenti e responsabili del proprio successo, mentre le condizioni generali diventavano una variabile sempre più difficile da controllare.

L'escalation internazionale rende quella perdita di controllo ancora più evidente. Le scelte statunitensi sui dazi, i rapporti tra le potenze, le guerre e le crisi energetiche arrivano nella vita italiana attraverso prezzi, imprese, occupazione e risorse pubbliche. Il conflitto più grande entra nella spesa più piccola, mentre la possibilità di influenzarlo appare lontana.

La sensazione di essere sacrificabili nasce anche da qui: dover sostenere il costo di decisioni sulle quali si ha pochissima presa e sentirsi poi chiedere di affrontarne individualmente le conseguenze. Nel flusso digitale le immagini delle guerre convivono con pubblicità e intrattenimento, il trauma diventa ripetizione e la violenza perde progressivamente la sua eccezionalità visiva.

Persino i primi Duemila possono allora apparire come un'isola felice, pur contenendo l'11 settembre, le guerre e i loro conflitti sociali. A essere rimpianta è la possibilità di immaginare un dopo diverso. Il presente accumula crisi e rende meno credibile l'idea che basti aspettare, impegnarsi o diventare adulti per uscirne.

Dalle piazze europee a Milano, la rabbia arriva sempre prima

È questo paesaggio a fare da sfondo alle proteste europee di ottobre: le scuole e i servizi pubblici in Francia, la casa in Spagna e Portogallo, il costo della vita e il lavoro nelle mobilitazioni italiane. Le richieste nascono da problemi diversi che condividono una frattura: la distanza tra ciò che una società pretende e ciò che riesce a restituire.

Le scene di devastazione e i saccheggi occupano poi lo spazio del racconto, rendendo visibile soprattutto l'esplosione.

A Milano, nelle giornate del 17 e 18 ottobre, quella esplosione ha raggiunto il centro e le sue vetrine con una presenza impressionante di giovanissimi. Nel bilancio di domenica, su 271 persone accompagnate in questura, 220 erano minorenni. I gruppi comprendevano anche ragazzini molto lontani dall'età dei protagonisti di Trainspotting.

L'abbassamento anagrafico cambia la domanda: una parte di questa rabbia arriva prima del fallimento sul mercato del lavoro e prima di un tentativo di costruire la propria indipendenza. Si eredita la fatica degli adulti, si osserva la loro difficoltà a ottenere sicurezza e si entra molto presto nel confronto con ciò che non si possiede.

Nelle stesse strade convivono la protesta di chi chiede condizioni diverse e il saccheggio di chi cerca qualcosa da portare via, insieme a chi vuole esserci e poterlo mostrare. Il telefono organizza, riprende e trasforma l'azione in un contenuto che può dare riconoscimento immediato.

La vetrina è il confine materiale dell'accesso: separa da un oggetto e da ciò che quell'oggetto dovrebbe dimostrare.

Romperla può diventare, per alcuni, il modo di ottenere subito il segno di un'appartenenza continuamente esibita e continuamente negata. Il capitalismo riappare dentro il gesto che sembra attaccarne la superficie. Il desiderio di essere ammessi al suo centro può convivere con la distruzione dei luoghi che lo rappresentano.

La rabbia sociale trova uno sfogo, il consumo una scorciatoia, la visibilità una scena. Governi e istituzioni incontrano questi ragazzi quando il conflitto è già diventato un problema di sicurezza, mentre le domande sul futuro, sul reddito e sull'appartenenza restano aperte. Il racconto dell'incappucciato può riempire una giornata; le condizioni nelle quali cresce occupano anni.

Cinquant'anni dopo, quale vita dovrebbero scegliere?

Dal "no future" del punk sono passati quasi cinquant'anni, da Trainspotting trenta.

Sono cambiati gli oggetti, gli strumenti e l'età alla quale si incontra la frustrazione. È cambiata la velocità con cui il desiderio viene prodotto e con cui la rabbia può trovare un pubblico. La frattura di fondo conserva però una familiarità precisa: una società chiede di aderire alle proprie promesse e lascia sempre più incerto il percorso per raggiungerle.

Renton immaginava di potersi sottrarre, poi trovava nel denaro il mezzo per rientrare. Chi viene dopo può desiderare direttamente quel punto d'arrivo, anche mentre distrugge la scena nella quale gli viene mostrato. Il futuro rischia di diventare il prolungamento di questa contraddizione: aspettative senza mezzi, visibilità senza potere, accesso alle immagini senza accesso alla sicurezza.

Quando la sensazione di non avere nulla da perdere arriva già nell'adolescenza, l'età adulta perde anche la funzione di una promessa.

"Scegliete la vita" resta una formula perfetta per chiudere un film. Per continuare a chiederlo fuori dal cinema, quella vita deve tornare a essere una possibilità concreta.